© 2019 - All Rights Reserved by Ivan Porkhachev

  • YouTube Социальные Иконка
  • inst
Ранее...

Порхачёв Иван. Акварельная техника, нюансы исполнения и мастерства.

February 15, 2015

Когда речь заходит об акварели, у многих часто возникает много вопросов относительно техники, что, в свою очередь, порождает недопонимание акварельной живописи. Попробуем выяснить, что представляет из себя современная акварельная живопись, и что мы можем отметить для себя в работах автора.

 

На примере работ художника можно выделить несколько основных моментов. Сразу можно отметить, что очень часто, живопись акварелью у Ивана Порхачёва в основном пишется в один сеанс. При этом очень важным аспектом является мастерство художника, что особенно актуально для техники акварели. В умении художника работать кистью, красками, водой и степенью влажности бумаги, заложены основные приемы, позволяющие создавать ощущение «свежести» и «акварельности», а также передавать, кстати, часто это делается буквально одним движением кисти, фактуру, хара́ктерные черты и живописное содержание картин. Иван Порхачёв успешно использует весь арсенал художника-акварелиста, добиваясь тонкой игры красок и оттенков, прозрачности фактур и сложности цвета, точности мазков, передающих сюжетный замысел произведения. Причем заметно, что художник не использует черную краску, а добивается с помощью тонкого восприятия цвета, таких нюансов тона, которые позволяют раскрыть звучание даже самого темного пятна в картине. Такая манера живописи в акварели отличает работы художника от нынешних коллег по цеху  и ставит в один ряд с мастерами прошлого, русскими художниками серебряного века, которые не только следили за формой, подачей и содержанием, но и старались думать кистью. Кстати, сам автор не считает себя мастером, который добился «идеальной» манеры в живописи, скорее наоборот, отмечает что художник постоянно стремится корректировать и менять технику, находится в поиске и самоанализе, для того чтобы живопись могла «думать» вместе с ним, «сопереживать» моменту, переживаемому художником. Это кстати, одна из главных отличительных особенностей русского импрессионизма, к которому можно отнести стилистику работ художника, так как тяготение к смыслу и смысловому содержанию в каждой работе, это важный аспект, отличающий автора от большого количества «коллег», часто работающих по принципу «живопись ради живописи», либо заменяющих профессионализм такими качествами, как концептуальность или декоративность, в угоду коммерческим или иным задачам.

 

Надо отметить, что последнее время тема «мастерства» и владения техникой живописи стала задвигаться на задний план, что совершенно не правильно. Отсутствие качественного образования, платное и коммерческое обучение понизили планку для выпускников, а авторы, которые стремятся, прежде всего, заработать, отдают предпочтение отработанной «манере», тиражируемой без особого смысла, потому что изобразить «цветовое пятно» на стене может даже ребенок, что с успехом подхватывается галереями и кураторами. Ведь так легко сейчас заработать на неискушенном потребителе, решившем повесить над диваном картину под цвет интерьера, или провести выставку, и не для того чтобы вступить в сложный диалог со зрителем, а для того чтобы поставить галочку в календаре и отчитаться по бюджету мероприятия. Мы можем точно сказать, что художник, это прежде всего профессионал, который должен уметь рисовать, для того чтобы картина была не только замыслом, но и примером мастерства и внутренней работы художника над собой и своими возможностями. Именно поэтому так ценится искусство прошлого, именно поэтому изобразительное искусство, совершив поворот по спирали рано или поздно будет возвращаться от «актуального» к «традиционному» и очень многое, что сейчас на плаву, рано или поздно утонет, освободив место пусть и не такому кричащему, но способному удивлять не одно поколение зрителей и ценителей, серьезному искусству. Отсев и признание качества произведений искусства это не такой быстрый процесс, как например, процесс признания качества потребительских товаров. Мы же не покупаем одежду, которая плохо сидит, или еду, которая не имеет вкуса, или машину, которая не едет – мы умеем распознавать ценность вещей, но не умеем, часто, распознать ценность искусства, потому что просто не имеем критериев оценки, кроме какого-либо стороннего мнения.

 

 

После изложенного ранее снова вернемся к теме данной публикации, более подробно остановимся на трех картинах автора, которые представлены в нашей статье.

Это три картины, которые художник написал в зимнее время - картины-метафоры. Тема зимнего пейзажа, раскрыта таким образом, что основой сюжета стало соединение природы и индустриального «рукотворного» объекта. Иван очень тонко и сложно по технике исполнения и цвету, передает ощущение и настроение спящей под снегом природы, нависающего клочьями неба, торчащей травы из под белого наста и деревьями, темными пятнами, делящими пространство картины между собой и линиями ЛЭП, пробравшимися в эту зимнюю «идиллию» как пришельцы из другого мира, мира людей и машин. Такое сочетание не встретишь в «мирных» пейзажах Левитана или Поленова, это уже постиндустриальная реальность, которая постоянно напоминает о себе и вдохновляет художника на такое противопоставление – природы и человека, 19 века и 21-го, живописцев, воспевших русскую природу ранее и настоящее современного автора, подчинившее природу себе. Эти картины не только отражение действительности, но и сравнение с прошлыми традициями живописи. Причем выбор акварели тоже не случаен, автор считает, что эта техника живописи, серьезно продвинулась за последнее столетие, благодаря новым технологиям производства материалов, а возможности работы акварелью, это не только дань нашему «цифровому» времени, но и та основа изобразительного искусства, которая пока не развита в нашей стране, но точно будет развиваться в будущем.

 

 

Публикация подготовлена при участии artcorner.pro

 

Please reload

Escoda

April 4, 2014

1/1
Please reload

Опубликовано...

June 16, 2019

December 28, 2017

January 1, 2017

December 30, 2015

Please reload